Premio MiX/Nexo+

Per la tenerezza e la delicatezza con cui la regia di Katie Found riesce ad affrontare temi complessi e dolorosi, quali l’abbandono, il suicidio, la crescita, le prime volte, i propri sentimenti, l’io, l’altro.

Il film ci racconta i sentimenti di un’estate, che hanno il sapore familiare del periodo più magico dell’anno in cui sogni, speranze e amori sembrano più veri che mai; il periodo in cui il mondo non si estende oltre il nostro sguardo, gli altri si identificano con la persona amata e le cose davvero importanti sono “solo” i sentimenti che crescono in noi.

Il Premio MiX/Nexo+ al Miglior Lungometraggio a Regia Giovanile va a “My First Summer” di Katie Found.

Premio MiX/laF

Il Premio MiX/laF va a “Gabi between ages 8 and 13” di Engeli Broberg per il suo linguaggio semplice ed immediato, per l’avvincente – e produttivamente impegnativa – narrazione, che copre temporalmente 5 anni di vita, e per il suo messaggio fortemente educativo e proiettato nel futuro.

Gabi ha la forza di essere quello che è contro tutti i preconcetti, i pregiudizi e le convinzioni imposte dalla società, ed in questo percorso è accompagnato dalla sua famiglia, che lo supporta e ascolta costantemente, come tutte le famiglie dovrebbero fare, lasciandoci intravedere un mondo sempre più pronto e inclusivo.

Menzione Speciale Sceneggiatura

Per la grazia con cui attraversa la relazione fra due generazioni distanti di gay – distanti dal punto di vista generazionale, ma anche sociale, economico, geografico.

Per la capacità di risignificare l’archetipo della relazione fra padre e figlio, sfondando il tabù dell’incesto, la menzione speciale della giuria va a “Sublet” di Eytan Fox.

Premio Miglior Sceneggiatura

Per la capacità di indagare in modo critico, ed empatico, le molteplici e conflittuali declinazioni del rapporto col materno, mettendo in scena due donne che hanno vissuto tempi diversi e vite diverse.

La madre ha lottato contro la dittatura, imprigionata e torturata, ha perso un figlio. La figlia, lesbica, nata anni dopo, sta per avere un figlio con la sua compagna.

Per aver saputo smascherare le insidie nel nostro desiderio di genitorialità all’interno del sistema eterosessuale e capitalista, il premio per la migliore sceneggiatura della 35ª edizione del MiX Festival va a “Aos Nossos Filhos” di Maria de Medeiros.

Menzione Speciale Cortometraggi

Il rossetto provato da bambina che diventa parte di lei, lo scambio di energie quando conosce qualcuno che le piace, gli omofobi che diventano lupi, i ragazzi che spariscono dalla sua vita in un soffio di vento, la rinascita in un giardino dai caratteri edenici. Queste sono solo alcune delle metafore semplici ed efficaci che questo corto animato utilizza per mostrarci i sentimenti della protagonista.

Per aver mostrato in modo delicato, semplice e d’impatto il percorso di transizione di una persona e le sfide che deve affrontare con il mondo esterno e per aver detto una verità tanto semplice quanto necessaria, ovvero che una ragazza trans è e può scegliere di vivere come una ragazza qualunque, vince la menzione speciale il cortometraggio “All Those Sensations in my Belly” di Marko Dješka.

Premio Miglior Cortometraggio

“Che spreco”, “è una fase passeggera”, “come fate l’amore, chi fa l’uomo?”, “come crescerà un bambino di una coppia omosessuale?” Tutti quanti nella nostra vita ci siamo sentiti fare commenti e domande di questo tipo, ed è quello che succede anche alle protagoniste di questo corto e non solo all’inizio della loro storia, ma a ogni traguardo della loro relazione. In un quarto d’ora siamo immersi nella descrizione completa e sincera della storia di una coppia omosessuale che combatte per i propri diritti. Adottando il punto di vista di Marie, il cortometraggio ci obbliga a identificarci con lei e a vivere attraverso lo sguardo, il sorriso, le espressioni e i piccoli gesti della sua compagna Camille l’ansia del coming out alla madre, la gioia per la nascita del figlio, l’esultanza per l’elezione di Hollande del 2012 e per la legalizzazione dei matrimoni per le coppie omosessuali in Francia nel 2013, meno di dieci anni fa.

Per questi motivi, per averci fatto sorridere, commuovere e riflettere su quanto il mondo sia cambiato in così poco tempo e su quanto ancora possa cambiare, e per aver raccontato una storia dal carattere universale della comunità LGBTQI+ vince il premio miglior cortometraggio “Camille et moi” di Marie Cogné.

Menzione speciale Documentari

Per l’incredibile uso dei materiali di archivio, invisibile e preziosi, e la musica che accompagna tutto il film, in forte risonanza con gli anni che documenta.

E anche per l’importanza dell’attivismo di oggi, su temi come il razzismo l’antisemitismo e l’omo lesbo bi transfobia.

La giuria ha deciso di assegnare la menzione speciale al film “Rebel Dykes” di Harri Shanahan e Sian Williams.

Premio Miglior Documentario

La giuria ha deciso di premiare questo film per essersi preso il tempo necessario a crescere con il protagonista, mostrando il suo innato coraggio. Per aver saputo raccontare con la forza visuale del cinema e, infine, perché bisogna sapere mostrare senza spiegare.

La giuria ha deciso di premiare il film “Cosas que no hacemos (Things We Dare Not Do)” di Bruno Santamaria.

Menzioni speciali Lungometraggi

Per l’urgenza del tema della transfobia in un contesto particolarmente ostile dal punto di vista culturale, sociale e burocratico, come il Brasile di questi anni.

La menzione speciale va a “Valentina” di Cássio Pereira dos Santos.

Per la capacità di mettere lo spettatore al centro del film, portandolo a interrogarsi in modo non aprioristico, attraverso il tema della gestazione per altri, sul rapporto con la disabilità e l’alterità e sul conflitto tra etica e autoproiezione.

La menzione speciale va a “The Surrogate” di Jeremy Hersh.

Premio Miglior Lungometraggio

Per la capacità di affrontare un evento di cronaca disturbante in modo originale. Il film decostruisce il caso in blocchi tematici e formali, con una forza concettuale che sa approdare anche a esiti poetici.

Il premio al miglior lungometraggio va a “Feast” di Tim Leyendekker.

Premio del pubblico

Ogni anno, grazie all’app del MiX Festival è il pubblico a decidere il vincitore di questo premio che ci permette di capire quali siano i vostri gusti per migliorare sempre di più le proposte cinematografiche del festival.

Vince il premio del pubblico della 35^ edizione del MiX Festival “Sublet” di Eytan Fox.

Ci racconti la vostra iniziativa con Casa Arcobaleno?

L’iniziativa rientra in una strategia più ampia, che raccoglie nel format Pride Year una serie di azioni mirate e concrete costruite per dare forma alla nostra vicinanza ed il nostro sostegno nei confronti dei temi e della comunità LGBTQ+. Temi che per noi meritano un’attenzione costante, continuativa, non limitata a iniziative sporadiche. Quindi abbiamo deciso di rilanciare e, poco prima dell’estate, abbiamo appunto inaugurato il primo Pride Year, un Pride che vive tutto l’anno. Vivrà diversi momenti sia a livello digitale che fisico e, tra le tante iniziative di cui ci vogliamo farci portatori, abbiamo scelto di sposare la causa di Casa Arcobaleno e di sostenere l’impegno di Spazio Aperto Servizi. Credo rappresenti molto bene la nostra voglia di fare la differenza – una differenza concreta – anche su questi temi, vicini ai nostri giovani per sostenere un modello di società dove le discriminazioni non hanno cittadinanza.
Lo abbiamo fatto con pragmatismo e affiancando il nostro servizio al sostegno. Fino alla fine di giugno del prossimo anno, per ogni nuovo contratto sottoscritto con Pulsee (qualora comprenda sia luce che gas) doneremo 20 euro al progetto, sperando di poter contribuire in modo davvero unico a questa campagna e a questo importantissimo strumento di supporto per chiunque viva in situazioni di fragilità a causa delle discriminazioni.

Cosa ha spinto Pulsee a dialogare con la comunità LGBTQ+?

Pulsee nasce come fornitore di energia innovativo, digitale e green, capace di leggere e accogliere le istanze positive delle comunità in cui opera. Ci proponiamo come l’energia che si evolve con le persone, che considera la diversità una ricchezza e l’inclusività un valore ed è per questo che, sin dalla nostra nascita, quasi un paio di anni fa, abbiamo voluto immediatamente esprimere questa dimensione più profonda del nostro modo di vivere la missione aziendale, mettendo in campo da subito iniziative e azioni a sostegno dei valori della community. È un’attenzione che esprimiamo anche nei piccoli gesti come l’utilizzo del linguaggio gender neutral su tutti i nostri canali di comunicazione, compreso il sito web.

Quando e come è nata l’idea di essere presenti su questo tema?

È nata con il brand stesso. È l’essenza del nostro modo di essere. Vogliamo dare alla comunità in cui operiamo la possibilità di fare una scelta all’insegna della modernità, rimarcando il nostro impegno verso l’inclusività e contro ogni discriminazione. Si parla sempre moltissimo di sostenibilità, riferendola nello specifico alle tematiche green e di rispetto per l’ambiente. Anche Pulsee nasce per proporre soluzioni di energia completamente rinnovabili e anche per abbattere la propria impronta inquinante sul pianeta, ma per noi essere sostenibili significa molto di più. Essere sostenibili significa anche avere a cuore e essere promotori dei valori positivi dell’ecosistema sociale in cui viviamo. Ed è per questo che già ad un anno dalla nascita di Pulsee abbiamo voluto testimoniare la nostra attenzione e, causa le restrizioni e i limiti alla possibilità di incontri fisici, abbiamo organizzato la prima Digital Parade, iniziativa completamente digital e social che è stato il nostro personalissimo modo di celebrare la nostra energia “di tutti i colori” coinvolgendo le persone tramite un’attivazione che ha riscosso un grande successo.

Cosa avete trovato nel MiX Festival del 2020, sia pur in versione ridotta causa Covid?

Crediamo molto in questo festival, che è un appuntamento storico nel calendario delle iniziative di Milano e tra quelli dedicati alla community LGBTQ+. Lo scorso anno per noi è stato quello inaugurale di questa partnership, mentre per questo secondo abbiamo voluto rilanciare rafforzando la nostra presenza e diventando main partner dell’iniziativa. Siamo profondamente convinti che se quei valori di inclusività, attenzione e sensibilità nei confronti di tutti, senza discriminazioni, passano da momenti culturali come il MiX Festival, diventa più facile farne parlare e portarli all’attenzione di un pubblico sempre più vasto. Questo sistema di valori che condividiamo con gli organizzatori del Festival va oltre le limitazioni e le riduzioni che la pandemia ha inevitabilmente portato anche per le kermesse culturali.

Cosa vi aspettata dal MiX 2021?

Che quella di quest’anno possa essere l’edizione di ripartenza definitiva del format e che sia sempre più frequentato e vissuto di persona. Abbiamo tutti il bisogno profondo e intimo di riprendere a frequentare luoghi e persone, di riprendere a partecipare, a condividere, a vivere. Siamo sicuri che questa edizione supererà anche quelle precedenti, con la contaminazione tra cinema e musica che è stata messa in scaletta per l’edizione 2021, ma soprattutto con l’entusiasmo e la partecipazione che saprà assicurare. Un momento importante per la cultura milanese, nazionale e per il nostro Pride Year.

È il primo anno che Flying Tiger Copenaghen è sponsor ufficiale del MiX Festival e siamo felici di accogliervi nella nostra grande famiglia… Cosa vi ha spinto a supportarci?

L’incontro tra MiX Festival e Flying Tiger nasce per una serie fortunata di connessioni e sono orgogliosa di esserne stata l’artefice: come volontaria collaboro con il MiX Festival da vari anni, inoltre da qualche mese ho iniziato a lavorare per Flying Tiger. 

Appena entrata in questa azienda decisamente unconventional, sono rimasta (favorevolmente) colpita dal clima che si respira al suo interno ma soprattutto mi sono sentita rappresentata dai suoi valori, che sono orientati principalmente al favorire l’inclusione e al valorizzare la diversità, considerata una ricchezza.

Ho pensato quindi che fosse l’azienda perfetta per supportare il MiX e non mi sbagliavo: appena accennata alle colleghe e ai colleghi la possibilità di un incontro, c’è stata da subito grande collaborazione e l’idea è stata accolta con entusiasmo anche da Copenhagen!

Infatti, l’azienda è attenta da sempre ai temi dell’uguaglianza e dei pari diritti, mira a costruire una cultura inclusiva in cui staff e clienti possano sentirsi a proprio agio, liber* di esprimere la propria unicità e liber* da qualsiasi pregiudizio o costrizione. 

In quest’ottica quindi si inserisce perfettamente la partnership con MiX Festival che rappresenta per Flying Tiger Copenhagen un importante momento di condivisione dei propri valori.

Tra l’altro siamo molto felici che la nuova venue di Palazzo Reale venga nominata “Flying Tiger MiX Young Arena”. Sarà un luogo in cui respirare un clima di divertimento, colore e rilassatezza, anche queste caratteristiche che ci avvicinano al festival e che rappresentano il leitmotiv della collaborazione.

Quali azioni mette in atto Flying Tiger Copenaghen all’interno della propria struttura organizzativa e al di fuori, con i propri partner a sostegno sella comunità LGBTQ+?

Per prima cosa negli ultimi gli anni cerchiamo di supportare almeno un Pride in Italia regalando al coordinamento quanti più possibili gadget Rainbow per le manifestazioni della città scelta. L’abbiamo già fatto varie volte con Bergamo, Padova e Roma.

In ogni caso, a prescindere dal Pride, diamo continuità alle cause in cui crediamo e che ci rappresentano durante tutto l’anno, in Flying Tiger infatti sono varie le iniziative di formazione sui temi della Diversity & Inclusion, a 360°, progettate sia internamente sia collaborando anche con enti e associazioni esterne che promuovono queste iniziative.

Da Flying Tiger Copenhagen non lavoriamo unicamente per creare oggetti dal bell’aspetto, lavoriamo per far star bene le persone e proprio per questo realizziamo prodotti straordinari per la vita di tutti i giorni, che siano alla portata di tutt* e fatti per essere condivisi. 

Perché i veri valori non stanno in ciò che possediamo ma nelle esperienze che condividiamo.

“Amianto” di ARIETE

Secondo un refrain ricorrente nella discografia mainstream, fare coming out e parlare di amore omoromantico allontanerebbe a priori gli artisti dal pubblico ampio. Arianna Del Giaccio, in arte ARIETE, è la dimostrazione del contrario. 18 anni, amata dai giovanissimi, con la sua musica da cameretta, fatta di suoni lo-fi e di sentimenti quotidiani, scrive canzoni d’amore per ragazze. Un impegno di integrità e trasparenza. “Amianto” è una traccia che non può mancare in una playlist anti-estiva.

La descrizione di un amore tossico, la consapevolezza dolorosa di stare insieme pur sapendo di non andare bene l’uno con l’altro.

“Birthday” di Disclosure, Syd Barrett & Kehlan

Un duetto speciale, quello messo insieme dai Disclosure in “Birthday”. Syd Barrett, membro dell’ormai storico collettivo Old Future nonché front woman della band losangelina The Internet, trova Kehlani, che ha di recente fatto coming out, su di un pezzo morbido ed erotico. Una seducente storia d’amore R&B, il sentimento che rimane, la fiamma che si riaccende… Divertente sì, ma non sempre così saggio. 

Io decisamente la seconda, non so voi!

“Eugene” di Arlo Parks

Voce rivelazione del pop inglese, Arlo Parks sa come scrivere di emozioni complesse con sincerità e grazia, anche quando si tratta di descrivere un sentimento non corrisposto per una ragazza eterosessuale. In un tweet Parks ha spiegato che “Eugene” è stata ispirata da una poesia scritta «alle 3 del mattino sull’autobus notturno», come capita a metà di noi almeno una volta all’anno, sbronzi sulla novanta. Da segnalare anche “Green Eye”, in cui augura una buona vita ad una ex a disagio nel mostrare dimostrazioni di affetto in pubblico «Non potevo tenermi la mano in pubblico, sentivo i loro occhi giudicare il nostro amore».

“Come quando fuori piove” di Voodoo Kid

Malinconia e introspezione in “Come quando fuori piove” di Voodoo Kid, il progetto solista di Marianna Pluda, che in questa traccia ritorna su quella logorante ossessione che si accompagna illogica a certe fasi dell’amore. 

Il tutto su un tappeto musicale che Marta Blumi Tripodi definisce «un sofisticato amalgama di pop ed elettronica, dalle atmosfere rarefatte e delicate, ma allo stesso tempo ricchissime di riferimenti ad altri artisti e tradizioni».

“Sofia” di Clairo

In “Sofia”, Clairo parla delle prime cotte per donne viste in tv o sui media, come la regista Sofia Coppola o l’attrice Sofia Vergara. Una canzone piena di momenti intimi, onesti e banali. Programmaticamente banali. «Tutti l’hanno fatto», scrivere cose ordinarie e prevedibili sull’amore, «ma per me, è come se non l’avessi mai fatto e questa è una canzone banale su una donna. Voglio essere banale». Ti capisco, cara Clairo. Desidero esserlo anche io!

Pride by your side

Una mostra da tener sott’occhio per chi ama l’arte queer è la seconda edizione di “Pride by your side” organizzata dalla FMB gallery art di Roma aperta fino al 31 luglio 2021.

L’idea nasce da Francesco Maria Boni, proprietario della FMB Art Gallery di Roma, con l’obiettivo di dare visibilità alla comunità LGBTQIA+.

Quest’ anno, a differenza del 2020 che ha visto l’esposizione collocata nella virtualità, la mostra sarà ibrida tra online e spazi fisici.  L’iniziativa coinvolge anche la galleria Afnakafna e un locale espositivo di Freeda. 

Di particolare rilievo è il coinvolgimento di tutte le discipline artistiche – dalla pittura alla videoarte –  quindi  l’apertura a chiunque sia interessato alle forme artistiche a tutto tondo. 

Il centro del progetto riguarda i termini “orgoglio”, “identità, “diversità”, “amore”, “sesso”, “sessualità” e “favolosità”. Proprio sulla parola “favolosità” la galleria ha voluto mettere un accento con l’intento di indagarne l’essenza.

La FMB Art Gallery di Roma, Oltre a dare la visibilità alla comunità LGBTQIA+, dona  il suo ricavato alle associazioni di beneficenza, tra cui l’associazione PLUS – Persone Lgbt Sieropositive. 

Queeriodiclas

Un’altra mostra recente che ha parlato della comunità queer è stata nel 2017 organizzata dalla Biblioteca Sormani di Milano con il titolo “Queeriodiclas. Editoria periodica LGBT dal 1870 ad oggi”, che celebra attivist*  che si sono occupat* di editoria. 

La mostra era composta da 100 riviste internazionali e nazionali per ripercorre la storia della comunità partendo partendo dalle sue origini, con le prime riviste omofobiche tedesche di fine ‘800, agli inizi del XXI secolo.

Le riviste ci offrono spaccato di vita reale che indagano quali modelli iconografici venivano utilizzati dalla comunità queer attraverso la rappresentazione dei costumi sessuali e dei desideri dell’epoca. Si potevano trovare le prime riviste dellla comunità lesbica e il primo numero del “Fuori!”, rivista del Fronte Unitario Omosessuale Rivoluzionario Italiano del 1977. 

Tutta la collezione delle riviste è di Luca Locati Luciani che ha collaborato con Giovanni Dell’Orto nella curatela della mostra insieme a Marco Albertini di M.arte produzioni (che ringraziamo per averci inviato l’invito utilizzato per la mostra).

La mostra ha l’obiettivo di fare scoprire un settore che è stato messo in crisi con l’avvento della digitalizzazione. 

La novità della mostra è che è stata organizzata per la prima volta all’interno di luoghi istituzionali.

Dopo un quarto di secolo…

25 anni dopo Philippe è un noto scrittore che viaggia il mondo per raccontare i suoi romanzi. Un incontro casuale risveglia la memoria di Thomas, che in realtà è sempre stata lì: nella sua mente, nelle sue opere. Un momento unico, rivelatorio, che fornisce ipotesi a interrogativi lasciati per tanto tempo senza risposta. Troppo. La possibilità di riallacciare un rapporto si presenta violentemente davanti a Philippe, ma come si ricomincia dopo un quarto di secolo? La vita ci cambia e ci trasforma, ci ostiniamo a confermare le nostre decisioni, a giustificare le nostre scelte, ad aspettare occasioni che non capitano. 

Un romanzo senza filtri

Credo che la potenza di questo romanzo stia proprio nella sua autenticità: non ci sono epiloghi da favola o finali romanzati ma la descrizione puntuale di una esperienza pura, senza filtri, senza nascondersi dietro personaggi fittizi. La scrittura è scorrevole e istintiva, ma allo stesso tempo contiene i dettagli e l’emotività spiazzante di chi quell’amore incompiuto, l’ha vissuto sulla propria pelle.

Un’autobiografia di solo 150 pagine, snella ed essenziale, eppure ogni parola è al suo posto: né più né meno per raccontare una storia, che potrebbe essere quella di ognuno di noi. Finalmente senza più bugie.

Algoritmi e scoperte: “Legendary” e “Queerz!”

E proprio i consigli di YouTube mi portano a scoprire il programma di HBO Legendary, una competizione tra le house che si sfidano a colpi di fashion, vogue e face. Nel giro di un’oretta mi ritrovo a recuperare tutte le performance della prima stagione e arrivo alla sfida tra il duo Makaylah-Packrat della House 007 e la coppia Lolita Leopard-Honey della House Lanvin. Tralasciando lo slogamento di mandibola per lo stupore causato dalla bravura che dimostrano le protagoniste e i protagonisti della scena ballroom, sono estasiato dai loro costumi in tema supereroistico, come richiesto dalla puntata, data la mia passione per il fumetto.

Ormai, preso dalla fame chimica da spettacolo, apro Instagram per cercare i profili dei e delle performer. Neanche a farlo apposta trovo un post del fumettista Isa Happyfield che presenta una delle pagine dell’ultima sua fatica a fumetti, “Queerz!”, con i protagonisti mentre si cimentano nel voguing. Il samsara dell’animo nerd e dell’emozione scatenatami da Legendary si chiude perfettamente.

Qualcosa che manca tra gli ingredienti dell’eroismo

Quando pensiamo ai superpoteri, le prime figure che ci vengono in mente sono Superman, Batman e tutta la cricca degli Avengers su cui la Marvel ha realizzato il famoso cinematic universe ancora in corso, corredato da serie televisive e archi narrativi incrociati. E, purtroppo, tra i supereroi e le supereroine divenut* popolari, i personaggi e le personagge queer scarseggiano. Certo, si può parlare di Deadpool, ma la sua bisessualità non viene molto affrontata nei film. Tra poco invece uscirà il film di “Eternals” e, lì, non si potrà fare a meno di parlare della famiglia del supereroe Phastos con suo marito e suo figlio. 

Ci si potrebbe accontentare, ma nei fumetti le squadre eroiche sono sempre più queer perciò è giusto avere delle aspettative di maggiore rappresentazione LGBTQ+ nei film che si ispirano a essi, soprattutto quando esistono serie come “Pride” di Joe Glass o “Queerz!” di Isa Happyfield dove le crew supereroistiche sono composte solo da membri della comunità. Se ci sono quelle composte solo da persone cisgender ed eterosessuali, è legittimo creare squadre di persone non necessariamente cis o eterosessuali.

Eroismo queer

Proprio per una mancanza di questo aspetto nel mercato fumettistico mainstream, avvicinarsi a una serie come “Queerz!” è stato per me naturalissimo. A maggior ragione quando le pagine vengono diffuse sui social network dallo stesso autore gratuitamente, in una curiosa versione fruibile contemporaneamente in giapponese e in inglese.

Queer protagonist* della storia

La serie ha come protagonista Harvey, un adolescente che finisce nella gay street della città e scopre di avere l’abilità di vedere le persone queer attorno a lui, riconoscendole da un aureola arcobaleno. Per quanto i suoi amici parlino di quel quartiere come abitato da “anomalie”, non trova stranezze nelle persone che lo circondano. Presa consapevolezza che le “anomalie” non sono altro che persone comuni, sulla testa di Harvey si accende un’aureola monocolore. Spaventato dalla situazione e fermato da un ragazzo che vuole portarlo “sulla retta via”, ha la fortuna di essere salvato da Twinkie Camp, un ragazzo con il potere della gayness, che lo porta da Mama Jay Rainbow, madre della House of Rainbow.

Da quel momento Twinkie assolverà il ruolo di guida mostrando a Harvey la bellezza della comunità queer: lo porterà nel club dove si esibisce nel voguing assieme ai Queerz, un team di eroi ed eroine LGBTQ+ basato sugli stereotipi:

• la drag queen Absolutely Fabulous,
• il nerd bishonen Ck-Gogo,
• l’orso Teddy Wolf,
• la lesbica Carlo Butch e
• il feticista Tommy Finland.

Harvey si sorprende di non essere solo in questo mondo in quanto queer e inizia ad accettarsi, entrando a tutti gli effetti nella squadra.

Gayness VS Ignorance

Come ogni fumetto supereroistico che si rispetti, esistono dei malvagi: i Sette Ignoranti sono la controparte dei Queerz, il loro potere, chiamato “ignoranza”, è contrario alla gayness ed è rappresentato da ansie, sospetti, paure e posizioni contro il progresso. 

Il germoglio dell’ignoranza: l’odio per il se diverso

Ogni membro del team rappresenta un baluardo da difendere ma contemporaneamente un motivo per odiarsi:

• l’insegnante Elton vuole allontanare le persone queer in quanto potrebbero influenzare i bambini ma si è omologato alla struttura eterocispatriarcale perché soffre di omofobia interiorizzata,
• il cacciatore Zachary vede il mondo in bianco e nero in quanto crede che le persone abbiano solo il ruolo di procreare ma così nega che i suoi genitori adottivi siano la sua famiglia, e
• la curatrice museale Lucille crede che le impurità storiche debbano essere eliminate ma ha sviluppato la paura di non essere ricordata per le sue idee artistiche e si è sottratta dal proseguire con la sua passione.

Il team Queerz saprà tenere testa a queste ignoranti convinzioni e, grazie alla dialettica, addirittura riuscirà a liberare i propri nemici dalla prigione che non permette loro di provare amore per se stess*.

Vignette VS realtà

Quello che più salta all’occhio dalla lettura è l’acume con cui l’autore riesce a parlare di attualità attraverso le vignette. A partire dalla mostra della cultura queer tramite gli stereotipi e calando il punto di vista di chi legge in quello di Harvey, in parte mi sono sentito catapultat* in una realtà semisconosciuta, dall’altra ho trovato molti riferimenti culturali pop contemporanei. Il clubbing, le ballroom, il vogue, gli stereotipi che i/le personagg* stess* incarnano sono ben rappresentati, in modo sfaccettato e semplice.

Sconfiggere l’ignoranza

Le parole tuttavia hanno un’importanza cruciale: abbinate all’empatia, il team Queerz sconfigge le proprie nemesi proprio grazie all’uso di ragionamenti verbalizzati che distruggono le credenze dei Sette Ignoranti. Tra queste disquisizioni viene messo in discussione

• il genere in quanto costrutto sociale,
• l’abnegazione per non essere un problema per la società perché si scontra col diventare un problema per se stess* e con il mancato raggiungimento della propria felicità,
• i ruoli sociali fissati dalla biologia dato che vanno contro l’adattabilità, caratteristica fondamentale per la sopravvivenza,
• i legami di sangue come unici rapporti da rispettare quando un uomo e una donna, prima di diventare genitori, non hanno questo tipo di rapporto,
• il momento della vita in cui fare coming out, non necessariamente in tenera età o durante la giovinezza,
• l’evoluzione dei singoli poiché possibile solo su base dell’evoluzione dell’intelligenza collettiva,
• l’assenza della comunità queer nella storia piuttosto dovuta all’invisibilizzazione applicata in maniera sistematica da parte del sistema eterocispatriarcale.

Insomma, i Sette Ignoranti sembrano composti dalla tribù di Pillon, con l’unica differenza che si ritrovano “costretti” ad ascoltare e ad accettare la diversità, anche in se stess*. Le argomentazioni dei Sette Ignoranti sono molto attuali e affini a quelle delle persone omolesbobitransfobiche.

Nella speranza che il DDL Zan arrivi alla sua totale approvazione, non mi dispiacerebbe proprio l’esistenza del team Queerz! E riprendendo dal meme con Niency Nash nella serie televisiva Reno 911 – se “non puoi combattere il crimine senza essere carin*” – allora non è meglio essere carin* in una calzamaglia glamour per combattere i crimini d’odio?
Io mi preparo per sfoggiarla al Pride e, chissà, magari imparerò anche qualche mossa di vogue nel mentre!

Arca

Quando si parla di nonbinary e gender nonconforming nell’industria musicale, ci sono dei nomi obbligatori. Uno tra questi è Alejandra Ghersi, producer conosciuta come Arca. Fin dal debutto nel 2011, la sua costante è stata il gusto per la decostruzione, per la fusione artistica dei generi e l’identità in continuo mutamento. Lei stessa racconta che la parola “arca”, in spagnolo antico, rimanda a un contenitore cerimoniale per gioielli e oggetti di valore, uno spazio vuoto a cui possono essere attribuiti qualsiasi musica, qualsiasi significato. Arca ha sempre contenuto moltitudini. In ogni fase della sua carriera ha fatto un passo in avanti sia dal punto di vista artistico che personale: dal mondo ipnotico e avvolgente di “Mutant”, alla nudità oscura, dolorosa e brutale di “Arca” fino allo statement di “KiCk i”: 

SOPHIE

Qualcuno ha provato a definire la musica di SOPHIE, producer trans rivoluzionari* mort* prematuramente il 30 gennaio ad Atene, dopo essere cadut* mentre si arrampicava per guardare la luna piena. La parola coniata è “hyperpop”: un pop massimalista, che mescola cultura underground, hip hop ed elettronica d’avanguardia. Ma in realtà proprio come Sophie Xeon, la sua musica è oltre la definizione di genere. Dai primi lavori per la PC Music, etichetta pioneristica di un pop sintetico e futuristico, alle produzioni per Madonna e Charlie XCX, fino all’unico album in studio “Oil Of Every Pearl’s Un-Insides”, SOPHIE ha cambiato la musica pop con una visione unica e decisa, basata sulla contorsione, sulla destrutturazione e la ricostruzione dei suoni, che rifugge i limiti univoci. Proprio come il suo personaggio pubblico, passato da un estremo riserbo sulla propria identità che più volte ha confuso i media, fino a diventare un’icona transgender.

Kae Tempest

Rapper, poeta, scrittric*, drammaturg*, Kae Tempest nel 2014 ha pubblicato la sua seconda raccolta di poesie, “Hold Your Own”. La collezione trae la sua struttura tematica dalla vita del profeta greco Tiresia, nato ragazzo, trasformato in donna, tornato uomo nell’età adulta e accecato da Zeus ed Era. Transizione e mutazione ritornando come parte di temi nell’album “The Book of Traps and Lessons”, in cui ci sono messaggi di forza d’animo personale, promemoria per amare chi ci è car* e per dare priorità alle cose importanti della vita. Tempest nel 2020 ha fatto coming out come nonbinary e ha spiegato la scelta del suo nome di elezione:

Shamir

Capelli raccolti in odango coronati di farfalle, lunghe trecce nere, bianche, viola, che sono poi i colori della bandiera nonbinary. La forza dell’estetica di Shamir sta nei dettagli dei suoi capelli, del suo viso che mescola, in un equilibrio di energie, maschile e femminile. Una fluidità che si ritrova anche nella sua produzione musicale, che rifiuta qualsiasi linearità di percorso e accentua ogni volta un cambio di genere imprevedibile: nei suoi sette album, Shamir passa dal pop dance ed elettronico, attraversa la musica lo-fi e arriva fino al synthpop, al country e al rock dell’ultimo lavoro “Shamir”, un album nato e assemblato durante la quarantena in cui confluisce tutta l’estetica e il lavoro artistico maturato negli anni.

Yves Tumor

Ner*, omosessuale, nat* e cresciut* a Knoxville, in Tennensee, dove inizia fare musica per reagire a un ambiente che definisce «conservatore, razzista, omofobo e sessista». Di Sean Bowie si sa poco altro, la sua figura è circondata da mistero, così come anche l’immaginario musicale. Alexis Petridis definisce straordinaria la sua immaginazione creativa «sperimentale, capace di qualsiasi genere, con una logica interna che alimenta i suoi cambiamenti di umore». È una musica distesa ma allo stesso tempo carica di inquietudine, abrasiva, legata a un’aggressività vulnerabile e fragile, sostenuta dalla commistione di elementi di ambient, soul e rock.

Spero di averti incuriosit* su quest* artist*! Ascolta la playlist sul canale Spotify del MiX Festival a loro dedicata! 

 

Francesca, da quanto tempo fai questo lavoro e su cosa stavi lavorando quando è iniziata la pandemia? 

Faccio questo lavoro da circa 15 anni. Quando è cominciata la pandemia avevo in partenza una tournée di uno spettacolo di cui sono attrice e regista. Dopo i mesi di stop, questo spettacolo viene costantemente riprogrammato, ma le date continuano a saltare: proprio ieri due repliche di fine maggio che avevo programmato in Friuli sono saltate perché l’amministrazione comunale non se l’è sentita. Lo spettacolo era per le scuole superiori, un ambito molto sensibile, e,  essendo il teatro una sala comunale, l’amministrazione ha preferito che le scuole non partecipassero: nelle scuole ci sono ancora contagi, il teatro per ragazzi sta soffrendo in modo ancora più profondo. È comprensibile, ma fatto sta che spesso ci saltano le date in pochissimo tempo, per esempio 20 giorni prima dello spettacolo: programmare è veramente difficile.

Come è stata la tua vita da quanto è iniziata la pandemia? Da lavoratrice dello spettacolo come te la sei vissuta, sia dal punto di vista economico che da quello emotivo e creativo?

Hanno dato in totale 5 ristori alla categoria, l’ultimo a marzo 2021. Io sono una delle fortunate perché a oggi ho percepito tutti i bonus che sono stati erogati, anche se questi bonus non sono stati erogati con regolarità e, anzi, ci sono state incertezze continue: fino a 15 giorni prima non sapevamo se li potevamo ricevere oppure il bonus di agosto non veniva dato a chi aveva lavorato anche solo per un giorno. Bastava un giorno di lavoro per poter non accedere al bonus tout-court. Per fortuna hanno cambiato questa norma folle perché si sono resi conto in corso d’opera che nel nostro lavoro è proprio così, a volte lavori un giorno solo al mese e di certo non basta per vivere. 

Diciamo che i DPCM contenevano errori grossolani, che danno l’idea di quanto poco la politica conosca il settore dello spettacolo. Nel settore dello spettacolo dal vivo diverse giornate lavorative non emergono: per esempio tutti i lavori fatti per le scuole o per le amministrazioni comunali non rientrano nel conteggio delle giornate, perché queste non sono imprese di spettacolo e non possono assumerci.  Inoltre, molte cose di cui ci occupiamo non sono comprese nell’elenco dei codici Empals che ci permetterebbero di maturare contributi, basti pensare alle attività di formazione teatrale. Anche se noi siamo praticamente tutti e tutte anche insegnanti di teatro, i giorni in cui insegnamo non vengono conteggiati come giorni lavorativi da lavoratori e lavoratrici dello spettacolo. Tuttavia, i bonus venivano calcolati sulle giornate lavorate pre-pandemia. Inoltre non consideravano anche chi ha usufruito di casse integrazioni. Un esempio è quello dei clown di corsia, che sono a contratto con associazioni, ma non con specifica professionale di lavoratore dello spettacolo.

Dal punto di vista emotivo e creativo, durante i primi mesi sono entrata in una bolla di sopravvivenza a livello creativo, mi sono isolata per cercare di tenermi a galla. Io faccio tanto con le mani e questa cosa mi è mancata da morire: il silenzio in cui lavoro io è pieno di trapani e martelli e volevo quello, mentre il silenzio non cercato ma creato dal lockdown era inquietante. 

Ho cominciato a scrivere e ricominciato a disegnare, ho creato dei libri, ho creato un blog dove si potevano scaricare libri per bambini e poi ho cercato di ricominciare a lavorare come potevo, programmando e calendarizzando spettacoli, ma la litania era sempre la stessa: “Lo facciamo a settembre, lo facciamo dopo…” 

Un mese dopo l’inizio della pandemia, ad aprile 2020, sono entrata nel movimento Attrici e Attori Uniti, che è un pezzo del Coordinamento Spettacolo Lombardia. Ciò mi ha permesso di capire anche gli errori che facevo nel mio lavoro in quanto non consapevole su come tutelarmi. Per il Coordinamento sono stata fra i e le referenti del tavolo Manifesto: abbiamo iniziato a scrivere un documento di richieste su cosa sarebbe utile per riformare il settore, unificando tutti i documenti e gli spunti provenienti dagli avamposti dei territori in tutta italia (dai tecnici alle sarte); da questa intelligenza collettiva ed esperienza condivisa è nata la proposta di riforma che abbiamo presentato in Parlamento.

Perché il Coordinamento Spettacolo Lombardia ha occupato il Grassi Il 27 marzo 2021?

Il Coordinamento è nato il 30 maggio 2020 e, appena finito il lockdown, ha deciso di fare manifestazioni in ogni regione, dato che non ci si poteva ancora spostare da una regione all’altra. Il percorso è stato fulmineo e fin da subito pieno sia di difficoltà sia di frutti, da sempre convinti che la radice era comune per tutti: il percorso è poi continuato in varie manifestazioni anche nei confronti di Regione Lombardia, che non ci hai mai ascoltati.

Il 27 marzo abbiamo occupato il Piccolo Teatro Grassi non solo per segnalare l’ennesima “finta” riapertura del paese. C’era fermento in tutta Europa. in Francia molti teatri sono stati occupati e questo ci ha dato la spinta decisiva. L‘occupazione ci ha fornito un luogo di partecipazione e di confronto. È un anno che ci parliamo via webcam. Volevamo aprire il teatro a uno scambio sia con la cittadinanza (sempre tamponati, distanziati e con un numero massimo di accessi) sia tra operatori, che fosse uno spazio, ma anche un momento, dove parlarsi e confrontarsi. Fino a quel momento siamo stati inscatolati – chi dentro i propri teatri chiusi, chi online – e sentivamo la necessità di incontrarci.

Il momento è anche decisivo per l’attenzione pubblica e politica. Per riformare il settore dello spettacolo negli ultimi 50 anni è stata presentata solo una proposta di legge, mentre solo quest’anno fra Camera e Senato ne hanno presentate cinque. Queste proposte però non riflettevano le nostre esigenze. Sapevamo che il Ministro aveva nominato un gruppo di sette esperti incaricandoli di fare sintesi fra le diverse proposte di legge ed eravamo consapevoli che, se avessimo voluto incidere sul processo, avremmo dovuto portare la nostra esperienza concreta di operatori e operatrici e rappresentare con la nostra voce le criticità del settore. Non potevamo perdere tempo. Era il momento di dire la nostra, entrare a gamba tesa nel processo di definizione della legislazione che ci riguarda. 

Raccontaci di quei 39 giorni: cosa succedeva? Come venivano organizzate le varie iniziative di spettacolo? Qual era la tua giornata tipo? 

Tenere un’occupazione per 39 giorni non è facile, ma è stata molto vivace, come doveva essere. Non siamo stati soli però: abbiamo convissuto con gli studenti dell’Accademia di Belle Arti, gli studenti universitari, i lavoratori dell’arte contemporanea. Il gruppo che organizzava le giornate era di circa 50 persone, che offrivano disponibilità e competenze diverse, in base all’argomento affrontato in quel giorno.

Io mi sono occupata della parte politica e del confronto con i piccoli spazi e i teatri medio piccoli, con cui lavoro come scenografa. Gli spazi culturali e i teatri sotto i 100 posti non sono proprio stati considerati dai bonus, come se non esistessero. Di questi posti, dove si fanno arte e cultura reali e accessibili, non se ne conosce la potenza sociale. Non credo nemmeno ci sia un vero interesse politico di farli ripartire.  

Abbiamo deciso da subito due linee di comunicazione: una molto pratica e puntuale sulla proposta di riforma, che comprendesse l’intero settore (sostegno ai singoli lavoratori e lavoratrici ma anche agli spazi quali teatri, compagnie, piccole sale) e una rivolta alla cittadinanza. Abbiamo organizzato perfomance artistiche, eventi aperti di diverso tipo come a una bellissima giornata sull’editoria indipendente che è stata molto partecipata, concerti, e spettacoli. L’ATIR, per esempio, ha fatto una performance con i ragazzi di uno spettacolo che a causa della pandemia non è mai andato in scena. Eventi importanti perché la cittadinanza mostrasse solidarietà, ci desse sostegno e appoggio, capisse cosa stavamo facendo e perché.  Per noi occupare un teatro come il Piccolo è stata una responsabilità. Avere il supporto dei milanesi e poter parlare anche mediante la loro voce è stato fondamentale.

Ricordo quando, in occasione della performance sulla sartoria e su Maria Lai ispirata al suo abbraccio alla montagna, ossia l’ultima dell’occupazione, fisicamente ma anche simbolicamente abbiamo abbracciato tutto il chiostro. In un’intervista a Radio Popolare il giorno prima avevo chiesto agli ascoltatori e alle ascoltatrici di portarci delle stoffe, se ne avevano. Un signore anziano è arrivato nel chiostro e ha chiesto apposta di me, mi ha portato un sacco di stoffe stirate: ha detto che ne aveva altre ma essendo venuto in tram il sacco si sarebbe fatto troppo pesante. Ho pensato a quando, il giorno prima, forse insieme alla moglie, le ha messe via per noi. È stato commovente. 

Ora avete presentato le vostre priorità per la riforma del lavoro nel settore dello spettacolo. Quali sono queste priorità e che prospettive ci sono per il loro accoglimento? 

Abbiamo presentato le nostre osservazioni a diversi onorevoli e siamo riusciti a consegnarla a Roberto Rampi della VII Commissione Cultura del Senato, che si è preso l’impegno di portarla avanti in Parlamento. Il nostro è un contributo molto solido perché è fatto dall’esperienza di chi questo lavoro lo fa e lo vive. Per esempio, la legge dovrebbe riconoscere ai lavoratori di questo settore l’intermittenza: in Italia intermittenza è il nome di un contratto e, per giunta, molto lesivo, perché indica la natura del nostro lavoro e non può indicare la natura del nostro contratto, mentre in altri paesi, come in Francia, è il nome di una condizione. Noi abbiamo bisogno di una indennità di discontinuità che copra quei periodi in cui non è vero che non lavoriamo: lavoriamo lo stesso ma ciò non risulta da nessuna parte. In quei momenti ci formiamo oppure creiamo proprio i nostri spettacoli. È lì che noi muoviamo (e a nostre spese: pochissim* di noi riescono ad accedere alla NASPI) l’economia degli altri settori, mica stiamo ferm*!

Prima ancora dell’indennità di discontinuità bisogna uniformare la nostra fiscalità: all’interno delle professioni dello spettacolo una stessa persona fa diversi mestieri, ma i contributi non vengono versati nella stessa cassa, talvolta siamo obbligati ad aprire la partita iva anche se di fatto siamo sempre subordinati, non decidiamo noi i nostri orari e, talvolta, non possiamo nemmeno decidere sul nostro aspetto! Il problema reale con riferimento ai contributi è che alcuni sono di competenza dell’ex Empals, altri vanno sotto la gestione separata INPS. Ciò perché i codici ex-Empals assegnati alle varie professioni dello spettacolo sono vecchi e non comprendono tutti i lavori che facciamo. Per esempio, c’è ancora il codice per gli attori di fotoromanzo, mentre manca un codice per chi insegna a un corso di teatro. Versando in casse diverse e che non si possono unire, non raggiungiamo mai il monte ore necessario per poter beneficiare delle tutele, come quella della maternità.

Sarebbe fondamentale istituire uno sportello di assunzione diretta, che permetta ai committenti di spettacolo (dai ristoranti che offrono musica dal vivo alle scuole, e non solo per teatri e per comuni) di assumere tutte le lavoratrici e i lavoratori dello spettacolo, pagare loro i contributi,  dare loro un’agibilità relativa. Una grande impresa di spettacolo mi paga i contributi, ogni altro committente no: dobbiamo quindi farci assumere da una cooperativa di lavoratori dello spettacolo, che diventa il nostro datore ai fini previdenziali. Tuttavia non tutte le cooperative sono oneste: alcune offrono contratti intermittenti a tempo determinato. A chi dice che potremmo pagarceli da noi i contributi, rispondo che l’’auto-versamento contributivo funzionerebbe in un mondo ideale, ma nella realtà non siamo l’elemento debole dello scambio domanda/offerta: la contrattazione diventa difficile perché ci porta a considerare quei contributi all’interno dei costi. Nel mondo della musica, dove esiste l’autoversamento contibutivo, il nero è aumentato.

Infine vogliamo che sia introdotto il concetto di responsabilità occupazionale, e che venga rispettato soprattutto dai grandi enti corporate (grandi eventi, fiere etc) o che percepiscono fondi pubblici ,in modo che la sorveglianza sia efficiente, prevedendo controlli e vigilanza sull’utilizzo dei fondi pubblici. L’osservatorio nazionale per lo spettacolo dal vivo e per l’audiovisivo esiste dal 2018 ma non è mai stato attivato. Secondo noi, oltre a partire, dovrebbe essere affiancato da osservatori regionali che facciano una mappatura delle realtà esistenti sui territori.

Il nostro percorso non è finito. Abbiamo terminato la parte sulla quale sapevamo che le proposte di legge avrebbero stretto la cinghia, cioè il trattamento retributivo, ma vogliamo contribuire su tutta la riforma del sistema dello spettacolo: fondi pubblici, circuitazione e come elargire in modo differente i fondi FUS, poiché attualmente i parametri sono sbilanciati a favore della copertura dei costi amministrativi, non creativi. Sappiamo che arriveranno altre proposte di legge, quindi insieme ad altri gruppi regionali e nazionali, teatri, spazi e compagnie porteremo avanti questo lavoro. Per il momento abbiamo visto la bozza della legge delega e già ci sono cose che vanno riviste. Speriamo che tutto il lavoro che stiamo facendo possa portare all’ascolto della nostra voce e a cambiamenti concreti nelle nostre vite.

Anche Fedez dal palco del primo maggio, prima di parlare del ddl Zan ha ricordato la grave situazione in cui versano lavoratrici e lavoratori del settore.

Possiamo evolverci come società, e godere della bellezza e dell’arte, solo se solleviamo l’industria creativa dalle preoccupazioni causate da una vita precaria, instabile e, talvolta, invisibile alle autorità. Per questo il MiX Festival appoggia le richieste del Coordinamento Spettacolo Lombardia e l’esperienza dell’occupazione come momento di rivendicazione. Del resto anche (alcuni di) loro appoggiano le nostre.